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宣传语不仅承诺呈现“原汁原味的西贝柳斯”，还称其为“芬兰当代最具原创性的年轻声音之一”。人们不禁好奇，洛塔·温纳科斯基（Lotta Wennäkoski）听到这样的评价是感到荣幸还是不悦。这位年过五十的成熟音乐家，曾为2017年逍遥音乐会最后一晚创作了一首令人惊艳的迷你序曲《褶边》（Flounce）。这首作品随后被收录在一张个人作曲家管弦乐专辑中，并最终荣获留声机奖。
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这场音乐会拉开了纽约92街Y中心2019-2020年度声乐系列的序幕。该系列将探索贝多芬的《致远方的爱人》（An die ferne Geliebte）——首部由重要作曲家创作的歌曲套曲——的影响，并将其与另外五位作曲家的歌曲套曲或作品集进行对比演出。这五场声乐音乐会的另一个共同点是朱利叶斯·德雷克（Julius Drake），他是该系列的策展人、艺术总监和钢琴伴奏。在首场音乐会中，男高音克里斯托夫·普雷加迪安（Christoph Prégardien）演唱了舒伯特的《天鹅之歌》（Schwanengesang）。接下来的演出将把贝多芬的歌曲套曲与勃拉姆斯、舒曼、沃尔夫和马勒的声乐作品进行搭配。
For anyone who knows, respects, loves classical dance in this country, The Royal Ballet’s latest mixed bill is a Christmas treat come early, a superb trio of works which encapsulate the brilliance at play in the late 1960s. From the bedrock of Russian classicism, the best bits of Marius Petipa’s Raymonda were brought together in 1969 for the company in a one-act
大都会歌剧院历史上首次在周日安排歌剧演出，此次上演的格鲁克歌剧《奥菲欧与尤丽狄茜》是第三场此类午场演出。这部具有重要历史意义的作品标志着歌剧发展史上的一个转折点，它以更具情感表现力的演唱取代了繁复华丽的风格和反复咏叹调，预示了莫扎特和瓦格纳歌剧的出现，同时也提升了舞蹈的重要性。此次演出是马克·莫里斯2007年制作的第三次复排，该版本基于格鲁克1762年的原版乐谱，巧妙地将引人入胜的舞蹈编排与极具感染力的演唱相结合，以圆满的结局演绎了奥菲欧神话，所有这一切都在90分钟内一气呵成地呈现。
据说马勒在参观尼亚加拉大瀑布时曾感叹：“终于听到了真正的强音！”人们猜测，昨晚这场座无虚席的音乐会结束后，他也会有类似的感受。毫无疑问，这是一场特殊的演出，因为任何一场《复活》的演出都必须如此。我听说作曲家的孙女玛丽娜也在观众席中。当晚的演出以科林·马修斯创作的《变形记》开场，这是他为拉丁诗人奥维德的诗句谱写的大型作品《复兴》的结尾部分，反映了万物无常的境况。这首《变形记》与《复活》无缝衔接，浑然一体，开场极富想象力。
抛开标签，欣赏艺术本身。一旦抛开冗长乏味、自说自话的节目单，以及其中充斥着连字符的、试图解释概念的拙劣文字，拉塞尔·马利芬特的新作《无声的线条》便不言自明。这件作品无疑是抽象的，其艺术核心在于声音、灯光、投影和肢体动作的并置，不同的元素之间常常相互碰撞：强劲有力的打击乐与优美流畅的肢体动作形成鲜明对比；肖邦精致的音符与充满力量的姿态和爆发性的动作形成鲜明对比。
Thirty three years since it was premiered by English National Opera, Sir Harrison Birtwistle’s The Mark of Orpheus returns as the third instalment of the same company’s series of operas this season concerned with the myth of Orpheus. Judging from the reactions of the audience, the work has lost none of its power over that time to bemuse, intrigue, provoke, and exhilarate. It famously adopts a non-linear approach to the original myth in diffracting it in three versions, through the various episodes which intersect or overlap each other (rather than given in sequence) in their presentation of the three central figures – Orpheus, Eurydice, and the interloper Aristaeus – as mortal humans, as heroes, and as myth, rather as a Cubist painting or sculpture reveals different planes of an object at once.
众多古典音乐界的杰出人士齐聚内多夫-卡帕蒂音乐厅，共同庆祝伦纳德·斯拉特金的75岁生日。这场音乐会拉开了曼哈顿音乐学院“MSM偶像”系列音乐会的序幕，斯拉特金是该学院的杰出访问艺术家。音乐会上，斯拉特金亲自指挥曼哈顿音乐学院交响乐团，演奏了一系列与他职业生涯中的重要里程碑以及他的家人相关的作品。
众多古典音乐界的杰出人物齐聚奈多夫-卡帕蒂音乐厅，向伦纳德·斯拉特金致敬。这场音乐会是曼哈顿音乐学院“MSM偶像”系列音乐会的首场演出，斯拉特金是该学院的杰出访问艺术家。音乐会上，斯拉特金亲自指挥曼哈顿音乐学院交响乐团，演奏了一系列与他的职业生涯和家庭息息相关的作品。
尽管与自然有着松散的联系——上半场以四季为主题，下半场则与海洋相关——但这场曲目丰富的音乐会显得过于拥挤。原本可以成为焦点的首演作品却莫名其妙地缺失了，而且四首作品时长相近，也削弱了它们带给听众的震撼力。曲目顺序也显得有些不协调，弗雷德里克·德利乌斯的浪漫情怀被安排在了克劳德·德彪西澎湃激昂的作品之后，而德彪西的作品是当晚唯一一部以无可争议的戏剧性结尾的作品。
这场弦乐六重奏音乐会让我想起一个关于歌剧女主角（蒙特塞拉特·卡巴耶？）的轶事：她出席了卢奇诺·维斯康蒂著名的黑白电影《茶花女》，并宣布“我穿蓝色”。毫无疑问，美国大提琴家艾丽莎·韦勒斯坦是特隆赫姆独奏家乐团中首屈一指的佼佼者。她那奔放不羁、甩头发的演奏风格或许能与乐团产生张力，或者，根据个人喜好，也能提升她独奏作品的魅力，但在这里却显得突兀和做作。这种风格也与理查·施特劳斯的《随想六重奏》格格不入，即使脱离歌剧本身，这首作品也更像是一种隐喻，而非一个独立的个体。她强调节奏的指示加剧了紧张感，伴随着一些令人不安的自由节奏变化，而且至关重要的是，她试图将其转变为一部完整的晚期浪漫主义作品，而非施特劳斯预期的古典模仿之作。此外，施特劳斯非常注重复调声部进行，这与给予每位乐手独奏的机会截然不同，尤其是在你无法忽视魏勒斯坦那略显怪异、略带尖锐的音色时。
对于保罗·刘易斯来说，这标志着他音乐之旅的终点，他完成了对贝多芬和勃拉姆斯小品以及海顿部分钢琴奏鸣曲的探索。如果你名下有104首交响曲，那么你的键盘作品很容易被忽视也就不足为奇了。刘易斯显然认为维也纳的传统贯穿了这三位作曲家——贝多芬将他的第一套奏鸣曲集Op.2献给了海顿——因此，以海顿中期创作的E小调奏鸣曲作为这场音乐会的开场曲可谓恰如其分。
一位怀孕的歌剧演员从阿勒颇的屠杀中逃往北方，寻求在德国的安全。这就是凯蒂·米切尔的《魔法之地》（Zauberland）的大致轮廓，这部作品是她根据舒曼的《诗人之恋》（Dichterliebe）改编，并配以海涅的诗歌。它逐渐演变成一段歌曲和钢琴独奏，这是这部时长90分钟的演出中最长的部分。该演出由比利时作曲家伯纳德·福克鲁勒（管风琴家，布鲁塞尔皇家歌剧院前任总监兼作曲家）和诗人/剧作家马丁·克里普（曾为乔治·本杰明的歌剧撰写剧本）共同创作。