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宣传语不仅承诺呈现“原汁原味的西贝柳斯”，还称其为“芬兰当代最具原创性的年轻声音之一”。人们不禁好奇，洛塔·温纳科斯基（Lotta Wennäkoski）听到这样的评价是感到荣幸还是不悦。这位年过五十的成熟音乐家，曾为2017年逍遥音乐会最后一晚创作了一首令人惊艳的迷你序曲《褶边》（Flounce）。这首作品随后被收录在一张个人作曲家管弦乐专辑中，并最终荣获留声机奖。
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阿科斯塔似乎非常喜欢本·史蒂文森的《 时间尽头》双人舞，最近还安排这支舞为新成立的BRB2青年舞团演出。他很感激史蒂文森，这位如今已是资深编舞家的休斯顿芭蕾舞团前任总监，阿科斯塔正是在那里获得了在古巴以外的第一个演出机会。但史蒂文森的舞蹈作品肯定不止于此。这支冗长乏味的双人舞创作于1984年，但感觉像是二十年前的作品，而且舞者们穿着丑陋不堪、斑驳的紧身衣。不过，这支舞的动作编排比阿科斯塔自己的一些编舞尝试要好。他似乎对这支舞感到自豪，这对他来说当然是好事，但这支舞本身并不优秀。他 2015年为英国皇家芭蕾舞团编排的《卡门》 简直是一场灾难，因此，在这次的演出中看到其中的一些片段着实令人失望。比如，酒馆场景里摆满了桌子，舞者们摆出各种姿势，简直就像加勒比海游轮上的歌舞表演；还有一段卡门和唐·何塞的双人舞，毫无亮点。谢天谢地，这就是全部内容了；舞者们竭尽全力，却毫无效果。 《垂死的天鹅》是他改编自福金1907年 为帕夫洛娃创作的《天鹅》 ，并被阿科斯塔重新编排成双人舞的作品，尽管有才华横溢的泽莱迪·克雷斯波出演，但这部作品依然令人费解，缺乏说服力。
化学与音乐或许看似奇特的组合，但肯·罗素的影迷或许会记得，在他拍摄的纪录片 《埃尔加》中，他曾以实验室里烟雾爆炸的场景，生动地展现了这位作曲家对科学的热爱。然而，乔纳森·多夫根据西蒙·梅奥的 “伊奇” 系列小说改编的新歌剧，在主题和意图上则更为严肃，尽管它也以爆炸开场——兄妹俩伊奇汉姆和杰克正在摆弄化学元素。这一幕让人想起《 汉塞尔与格蕾特》的开头 ，一对兄妹也曾喧闹地玩耍，却被愤怒的母亲制止，随后父亲出现安抚他们。不过，叙事中仍然蕴含着一丝诙谐——很少有剧本会像伊奇的母亲在化学爆炸后问他的那样，问出“你的眉毛呢？”这样滑稽的问题。
在格林德伯恩歌剧院首次上演亨德尔的歌剧《 塞墨勒 》（1744）时，阿黛尔·托马斯巧妙地将故事中蕴含的警世寓意与她自身的经历联系起来。她在南威尔士工业区的成长经历启发了她创作出阴沉压抑的灰色天空和荒凉污染的废土背景，这促使塞墨勒——如同任何在这种环境中成长的人一样——想要逃离束缚。在她即将与阿塔玛斯结婚之际，她的父亲、亲戚和朋友们身着沉闷的灰褐色服装，仿佛回到了上世纪七十年代，这似乎也暗示了单调乏味的统一性，以及某种非主流凯尔特文化中道德上的严苛和评判。最终，她被献祭给柳条人。朱诺头戴华丽的头饰，如同南欧教堂中圣母玛利亚的雕像或印度教女神的形象，或许也象征着道德良知的原型。
Almost unceasing rainfall during this performance provided, perhaps, an aptly gloomy backdrop for West Green’s production of
萨列里的第六部歌剧 《威尼斯集市》 （1772）的故事背景设定在威尼斯著名的耶稣升天节（ Festa della Sensa）庆典期间，而非年初的狂欢节。此处的译本名为 《威尼斯集市》 ，由吉利·弗伦奇和杰里米·格雷翻译，并对部分典故和习语进行了更新。值得一提的是，该剧的剧本作者是路易吉·博凯里尼的兄弟，后者是一位更为著名的作曲家和大提琴家。如同许多十八世纪的歌剧作品一样，包括萨列里本人数量可观的大部分作品，这部歌剧几乎已被世人遗忘，尽管它在萨列里生前曾是他较为成功的作品之一。而莫扎特曾为《我亲爱的爱人》（Mio caro adone，K180）的旋律创作了一些键盘变奏曲，这首变奏曲出现在第二幕冗长的段落式或“链式”结尾中，也算是对这部歌剧名声的一种遥远回响。
《克里斯皮诺与仙女》（Crispino e la Comare）创作于1850年，是一部充满奇思妙想的讽刺歌剧，也是里奇兄弟创作的最后一部歌剧。该剧很快在意大利风靡一时，并在世界各地广受欢迎。尽管在20世纪鲜少上演，但昙花一现的曼哈顿歌剧公司（1906-1910）曾在1909年演出过此剧，大都会歌剧院也于1919年上演了四场。最近，该剧于2013年在意大利马蒂纳弗兰卡的伊特里亚山谷艺术节上演出。
酷儿之声（Skeive Stemmer）是挪威第一家也是唯一一家“酷儿”歌剧公司，旨在以非典型的、非二元的视角重新诠释歌剧剧目，探讨性别、性取向和权力关系。莎士比亚的《 温莎的风流娘儿们 》（奥托·尼古拉于1849年将其改编为德语 歌唱剧 ）以约翰·福斯塔夫爵士为主角，他是文学史上最具阳刚之气、看似毫无保留的男性形象之一，这部作品似乎不太可能被酷儿化。
新剧院（Teatro Nuovo）2023演出季以盖塔诺·多尼采蒂鲜为人知的歌剧《波利乌托》（Poliuto）拉开帷幕。该剧于1859年在纽约音乐学院首演，当时该学院是纽约首屈一指的歌剧院。此后，纽约其他主要剧院均未上演过此剧。即使是音乐会演出也极为罕见。最近一次演出是在1998年，由纽约歌剧乐团和伊芙·奎勒（Eve Queler）在卡内基音乐厅演奏。
奥菲斯的神话如此广为人知（尤其因为它曾是几部早期歌剧的主题），而亚历山德罗·斯特里乔在蒙特威尔第的杰作《歌剧》的剧本中对它的重述又如此直白有力，以至于在舞台呈现上无需过多修饰。奥利维亚·福克斯的制作之所以如此成功，正是因为其简洁的呈现方式和概念（尽管并非简单或肤浅），以及演员们朴实无华的肢体语言。在我观看的那场演出中，当奥菲斯戏剧性地转身，牵着欧律狄刻走出冥界时，全场观众都倒吸了一口凉气——或许他们心中怀着一丝侥幸，希望他不会违背冥王哈迪斯的严苛禁令，永远失去她。
![女人皆如此》（Così fan tutte，K588）——两幕喜歌剧，由洛伦佐·达·蓬特作词[音乐会版；意大利语演唱，詹姆斯·达拉制作英文字幕]](https://www.classicalsource.com/wp-content/uploads/0-1-2.jpg)
在这场莫扎特歌剧《女人皆如此》的音乐会版演出中，歌唱家们在乐队前走动，互动交流，并像在完整舞台演出中那样凭记忆演唱。然而，由于缺少一些关键元素——道具、布景，尤其是服装的更换（这些对歌剧情节至关重要）——观众的想象力受到了一定的限制。尽管如此，表演者们凭借精湛的演唱和演奏成功地讲述了这个故事。六位主要演员都以引人入胜的嗓音和表演塑造了鲜活的角色，他们在歌剧的众多合唱中始终保持着完美的平衡。
对于许多爵士乐迷来说，约翰·科尔特兰四重奏（1960-65）是次中音萨克斯爵士四重奏的经典模板；因此，布兰福德·马萨利斯四重奏成立于1986年，此后人员变动极少，却已存在了七倍于其时间，这着实令人惊讶。贝斯手埃里克·雷维斯于1997年加入，钢琴家乔伊·卡尔德拉佐于次年加入，鼓手贾斯汀·福克纳（“新”成员）则于2009年加入。
莫扎特的《 牧羊人之王 》（1775）属于一系列艺术作品，它们将与自然和谐共处的纯真乐趣，与权力中心（必然是城市）生活的紧张与虚伪形成鲜明对比。这部歌剧由梅塔斯塔西奥改编剧本，其主题与巴洛克时期稍早的歌剧相似，颂扬并赞美了权力的合理运用。然而，其精简的结构却与这类 正歌剧 截然不同，情节曲折复杂。事实上，作为一部为迎接哈布斯堡王子访问萨尔茨堡而创作的舞台作品，它更像是 为此类特殊场合而作的小夜曲 或 戏剧庆典 ，而非为长期演出而设计的。该剧导演杰克·弗内斯正确地指出，因此，作品中弥漫着一种特殊的情绪或氛围——与自然和谐的状态——而不是莫扎特的前辈们在 歌剧系列中更为激烈的咏叹调序列中所呈现的对比鲜明的人类情感和激情 。