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宣传语不仅承诺呈现“原汁原味的西贝柳斯”，还称其为“芬兰当代最具原创性的年轻声音之一”。人们不禁好奇，洛塔·温纳科斯基（Lotta Wennäkoski）听到这样的评价是感到荣幸还是不悦。这位年过五十的成熟音乐家，曾为2017年逍遥音乐会最后一晚创作了一首令人惊艳的迷你序曲《褶边》（Flounce）。这首作品随后被收录在一张个人作曲家管弦乐专辑中，并最终荣获留声机奖。
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中场休息后，阿克拉姆·汗舞团的中坚力量乔伊·阿尔普埃托·里特带来了新作《乌达》。这部作品展现了她卓越的编舞才华，其引人注目的舞台布景和灯光设计营造出强劲有力的氛围，尽管时长略长。这是一部极具“女性”特质的作品，由女性独立创作和表演。虽然风格现代，但其中也隐约可见邓肯及其动作风格的影子。里特的风格包罗万象，明显受到阿克拉姆·汗动作的影响，尤其体现在她对节奏和对位的敏锐把握上。里特巧妙地融合了独舞和群舞、奔放的节奏和静谧的瞬间、层层递进的意象和意象。而这一切的背后，是李群·王（Lih Qun Wong）的精彩音乐伴奏，她坐在舞台侧边，手持大提琴和麦克风，演奏着录音和现场音乐。情绪和氛围不断变化，这得益于法比亚娜·皮乔利（Fabiana Piccioli）精湛的灯光设计，她巧妙地变换着巴比肯剧院宽阔的舞台，轻松地将观众的注意力拉近或拉远。然而，《Unda》时长过长，且有多个假结尾——它完全可以在任何一个结尾处结束，这样反而会因为简洁而更具感染力，即便里特（Ritter）的编舞水准始终保持高水准。
距离我上次聆听西蒙·特普切斯基的独奏音乐会已经五年了，令人欣慰的是，这位来自马其顿的钢琴家兼音乐奇才依然散发着二十年前令他脱颖而出的活力、洞察力和沟通技巧，那时他还是个十几岁的少年。或许我们不应该过多地从肢体语言和照片中推断，但它们确实暗示着一种引人入胜的特质：充沛的精力、略带好奇的幽默感，以及深刻而富有远见的音乐鉴赏力。他的幽默感在他耐心等待一群迟到的观众入座时显露无疑，那份耐心和傲慢堪比埃德娜·埃弗里奇夫人——至于那些热情的乐迷当晚毫不畏惧地拍摄和录制他的演奏，或许已经无需赘述了。
成立于1926年的NHK交响乐团目前正在首席指挥帕沃·雅尔维的带领下进行西欧巡演，演出地点包括塔林、伦敦、巴黎、柏林、维也纳、科隆、多特蒙德、布鲁塞尔和阿姆斯特丹。乐团此前曾到访伦敦，并通过众多视频和电视转播为观众所熟知，他们是一支训练有素、纪律严明的乐团，注重礼仪，传承经典，风格独特，各声部之间几乎难分伯仲。弦乐部分尤为出色——琴弦如金般纤细，音色如丝般柔滑，延音悠长，音色光彩夺目，美妙绝伦。但谁又能拒绝木管乐器清澈如水的音色，或是铜管乐器醇厚饱满的音色呢？打击乐器的演奏也恰到好处，既不会喧宾夺主，也不会破坏气氛。后勤和学校教育变成了艺术，魅力四射的首席小提琴手篠崎文典（他曾在伊夫里·吉特利斯门下接受训练）统领着一切。
《悼亡儿之歌》是马勒作品中的一部奠基之作。从第五交响曲开始，这部歌曲集的动机、旋律以及终止式段落便深深影响了他的交响曲。创作于同一时期的《悼亡儿之歌》和第五交响曲，不仅在音乐素材上有所共通，更在哲学层面上有着共同的表达，即渴望战胜悲剧。
It cannot be often that operas commissioned by major opera companies find their world premiere stage performances being given by those still learning their craft at one of London’s premiere music and drama colleges. So it is here, in the re-configured Silk Street Theatre, where the audience sits in banks to either side and opposite the main thrust stage but were a few scenes take place in other areas of the auditorium above or behind sections of the seating. This did not always aid homogeneity to some of the ensemble passages, particularly those involving the five Observers, who perform a narrative and commentary function throughout the piece, rather reminiscent of the Male and Female Chorus of Britten’s The Rape of Lucretia. Owing to their spatial separation one often only got to hear several voices in the mix rather than the whole. Whether this was a compositional intent or a directorial one it is hard to determine. Lliam Paterson’s music is always attractive, sometimes intriguing but occasionally frustratingly episodic in that some ideas one anticipates will develop further don’t always seem to. That said, there is tuneful rhythmic invention and propulsion, and his use of lower stings and electric harp, with various percussive, woodwind and brass decorations provides some striking musical effects. He also makes considerable demands on the higher registers of some of his singers – notably tenors and sopranos, and yet one could catch most of the words owing to careful use of repetition and clever use of dynamic.
新世界交响乐团自诩为“美国管弦乐学院”，是由迈克尔·蒂尔森·托马斯于32年前联合创办的后音乐学院培训项目。经过三年与指挥家、客座独奏家和乐团乐手的合作，许多新世界交响乐团的学员最终成为美国乃至世界各地乐团的成员。乐团位于迈阿密海滩，坐落于由弗兰克·盖里设计的宏伟壮丽、音响效果卓越的新世界中心。
阿丽娜·科约卡鲁身上有一种淡淡的忧伤，我的意思是，她的舞蹈形象常常带有一种潜在的忧郁气质。她并非天生阳光开朗的芭蕾舞演员（尽管她在皇家芭蕾舞团时期凭借其卓越的艺术造诣，在“快乐”的角色中表现出色），而是一位更加严肃内省的舞者。因此，她在萨德勒之井剧院的演出是一场构思精巧、充满智慧且不矫揉造作的表演，也就不足为奇了。
皇家节日音乐厅座无虚席，马勒的巨作《复活交响曲》——晚期浪漫主义曲目中最具代表性的作品之一——在此上演。然而，由爱乐乐团及其首席客座指挥雅库布·赫鲁沙执棒，这部作品的呈现方式却难以预料。四年前，同一乐团演奏的马勒第三交响曲也曾略显晦涩，但2018年他们演绎的第五交响曲却展现了难得的精妙之处：第二乐章既呼应又强化了第一乐章。我尚未聆听过赫鲁沙指挥的马勒后期交响曲，但除了精湛的技艺之外，他显然深谙马勒的创作精髓。到目前为止，赫鲁沙的唱片目录主要以他擅长的捷克本土曲目为主，而且作为班贝格交响乐团的首席指挥（自 2016 年起），他似乎不太可能很快走上他的前任乔纳森·诺特彻底走过的马勒之路——本届班贝格音乐季没有马勒的作品。
瑞典历史最悠久的室内乐团之一——韦斯特罗斯小交响乐团（Västerås Sinfonietta）首次亮相英国，在布里斯托尔圣乔治音乐厅和伦敦国王广场音乐厅的英国巡演第二站中，呈现了一场以自然为主题的丰富多彩的音乐会。在特纳·西姆斯音乐厅，由首席指挥西蒙·克劳福德-菲利普斯指挥的35人乐团占据了整个舞台，近距离的演奏使得管乐和铜管乐器的音色比平时更加清晰，却又不失整体的平衡感。
约书亚·贝尔对帕格尼尼第一小提琴协奏曲的精彩演绎，是圣马丁室内乐团这场精彩音乐会的亮点和核心。贝尔在开篇的快板乐章中展现了令人叹为观止的精湛技艺，他以迅雷不及掩耳之势演奏出一系列炫技般的快速音阶和音阶，穿插着双音、泛音、颤音和拨弦，最后以他自己创作的华彩乐段收尾，其难度甚至超过了帕格尼尼原作的技巧挑战。在柔板乐章中，贝尔的小提琴——1713年胡贝尔曼·斯特拉迪瓦里小提琴——发出优美而强劲的音色，与巴松管的对位相得益彰。终曲的回旋曲主题朗朗上口，完美诠释了“精神抖擞的快板”的标记。在第一乐章冗长的引子部分，以及他独奏乐器不演奏的其他段落中，贝尔都用琴弓指挥着乐队。
Ballet double bills are difficult evenings to get right; directors do not have the luxury of “well, at least I liked the other two” they get with a triple. Both pieces have to be right, and the pairing must work. In yet another example of poor programming, The Royal Ballet juxtaposes an acknowledged masterpiece from one of the twentieth century’s greats alongside a new work from a choreographer who, although well-enough respected, is simply not in the same league, and who is making a main stage work at Covent Garden for the first time. It was not meant to be so. Originally, Cathy Marston’s The Cellist was to appear alongside a new piece by Liam Scarlett, the company’s Artist in Residence, suspended after allegations of serious sexual misconduct. Perhaps that is just as well, as that ballet was supposed to have been based on Oklahoma! The mind boggles. So that is how Jerome Robbins’s lustrous Dances at a Gathering, a symphony in pure movement and atmosphere, comes to feature as the ‘opener’ to Cathy Marston’s The Cellist, as busy, as fussy and as unsuccessful as the Robbins is not.
要成功执导理查·施特劳斯的《玫瑰骑士》，需要一位眼光稳健、判断精准的导演，以及在喧闹的群戏和作品主导的对话模式之间取得平衡的能力。他需要一位能够将元帅夫人的忧郁哀婉与奥克斯粗鲁好色的滑稽表演自然融合的导演，一位能够成功呈现精彩桥段（如献玫瑰、第三幕三重唱）的同时，又能恰到好处地展现酒馆“诱惑”场景的滑稽之处和喜剧张力的导演。而这些特质，从他为柏林国家歌剧院执导的新版《玫瑰骑士》来看，恰恰是这位奥地利艺术家、作家、诗人、歌手、作曲家兼演员（据其维基百科词条所述）——他没有任何歌剧经验——所严重缺乏的。他对舞台动作的处理简直是拙劣至极。从极其不好笑的“喜剧”桥段（导演手法僵硬，扼杀了所有生机）到彻底搞砸的《玫瑰献礼》，处处都清楚地表明他对此一窍不通。这一幕表明，他还没有接触到《歌剧导演指南》中关于如何安排歌手在舞台上的位置以达到最佳效果的章节。