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宣传语不仅承诺呈现“原汁原味的西贝柳斯”，还称其为“芬兰当代最具原创性的年轻声音之一”。人们不禁好奇，洛塔·温纳科斯基（Lotta Wennäkoski）听到这样的评价是感到荣幸还是不悦。这位年过五十的成熟音乐家，曾为2017年逍遥音乐会最后一晚创作了一首令人惊艳的迷你序曲《褶边》（Flounce）。这首作品随后被收录在一张个人作曲家管弦乐专辑中，并最终荣获留声机奖。
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乍看之下，这三首诗篇曲调或许更广为人知，因为对于熟悉亨德尔合唱音乐的人来说，它们是他为钱多斯公爵在埃奇韦尔新庄园创作的十一首钱多斯圣歌中的一首。但此处呈现的作品是这些圣歌的后期版本，创作于18世纪20年代，当时亨德尔享有全国最尊贵的赞助——君主的赞助。然而，这些作品并非像加冕圣歌那样用于盛大的公共仪式，而是为皇家礼拜堂的私人祈祷而作。因此，萨伏伊国王礼拜堂的规模和演奏人数与这些作品最初演出的场合非常吻合。
自2003年与克里斯托夫·艾申巴赫合作演出后，巴黎管弦乐团携现任音乐总监克劳斯·麦凯莱重返卡内基音乐厅，演奏了伊戈尔·斯特拉文斯基的两部最受欢迎的作品。当晚的演出以充满活力、引人入胜的《火鸟》开场，演奏的是1910年的原始版本。指挥家芭蕾般轻盈而清晰的指挥风格，与乐团感性而精致的音色完美契合，与这部光彩夺目、充满想象力的作品相得益彰。作品讲述了神话般的伊凡王子在神奇火鸟的帮助下，与邪恶巫师卡什切伊展开殊死搏斗的故事。开场是无与伦比的弱音，大提琴悠扬的音符与低音提琴丝滑的音色交织，营造出一种神秘而又令人不安的氛围，贯穿了整场令人叹为观止的演出。众多令人难忘的乐章包括美妙飘逸的《火鸟之舞》、光彩夺目、充满民谣风情的《公主之歌》、气势磅礴的《卡什切伊的入场》、辛辣刺激的《地狱之舞》、轻快悠扬的《摇篮曲》中的巴松管独奏，以及辉煌壮阔的结尾，扣人心弦的低音鼓为戏剧性的结尾和弦画上了句号。
布里顿的歌剧《阿尔伯特·赫林》以社会和性压抑、专制统治和自我发现为主题，对歌剧导演来说极具吸引力。剧中，保守的统治价值观（嘘）与进步的自由主义（万岁）在虚构的萨福克郡东部小镇洛克斯福德展开激烈的较量。在每年五月选出年轻的五月皇后时，处女可不是随处可见的，但有一个纯真善良却又有些迟钝的阿尔伯特，他是赫林家的男孩，他的母亲经营着当地的蔬菜水果店。那么，五月国王又如何呢？还有一点需要注意——布里顿的音乐和埃里克·克罗齐尔的剧本需要谨慎处理，否则很容易显得矫揉造作、生硬刻板。布里顿在二战结束后不久，于1947年为格林德伯恩歌剧节创作了这部歌剧（但反响平平）。他当时 34 岁，正享受着自己作为作曲家的才华和多才多艺——凭借他巧妙的合奏和对戏仿的巧妙致敬，你很难不注意到这一点。
许多人都知道约瑟夫·梅里克的故事，他被誉为人类的奇人，或者说是“自然界的异类”，这或许要归功于约翰·赫特在电影 《象人》中的精彩演绎 （影片中令人难忘地使用了巴伯的《 柔板》）。同样广为人知的还有18世纪 的“爱尔兰巨人”查尔斯·伯恩，他因其异乎寻常的身高而自愿公开展示自己，以此娱乐公众。在伦敦，他遇到了著名的外科医生兼解剖学家约翰·亨特，亨特希望在他死后获得他的遗体进行解剖和医学研究。伯恩与朋友们制定了一个计划，将他的遗体装入铅封棺材，海葬，以避免继续被公开展示。然而，亨特在1783年伯恩去世时截获了遗体，从1799年到2023年，伯恩的骨骼一直陈列在亨特博物馆。如今，这具骨骼仍由皇家外科医学院保管，而关于是否最终应该尊重伯恩的遗愿的争论仍在继续。
这是鹿特丹爱乐乐团美国巡演四场佛罗里达音乐会中的第二场。在首席指挥拉哈夫·沙尼的执棒下，开场曲目是阿尔沃·帕特的《天鹅之歌》。这部作品改编自帕特于2000年为纪念约翰·亨利·纽曼枢机主教诞辰200周年而创作的早期作品。该曲于2014年首演，并于2021年进行了修订。 乐曲以罗恩·蒂胡伊斯用英国管演奏的优美摇曳的旋律开篇 ，夏洛特·斯普伦克尔斯的竖琴为其伴奏。弦乐在乐曲的大部分篇幅中保持着近乎节拍器的节奏，木管乐器和铜管乐器则承担了大部分旋律的演奏，管钟则反复响起。和声简洁，情绪始终平静，即使在六分钟的乐曲进行到一半时，铜管合唱逐渐推向高潮，这种平静感也未曾减弱。竖琴在轻柔的弦乐之上再次响起，音乐渐渐消逝，最后以三角铁轻轻一击结束。
为此，维也纳爱乐乐团在卡内基音乐厅为期三天的驻场演出中，以马勒的第九交响曲——他最后一部完成的交响曲，向世人告别。这部作品通常被认为是马勒有意识地向生命告别之作。伦纳德·伯恩斯坦称之为“终极告别”，并推测这部作品不仅预示着马勒即将到来的死亡，也预示着“调性的消亡”和“社会的消亡”。
彼得·塞拉斯因参与约翰·亚当斯关于中东恐怖主义的歌剧 《克林霍夫之死》而广为人知——至少在他的祖国美国以外是如此。 尤其在英国，他为格林德伯恩歌剧节执导的亨德尔清唱剧《狄奥多拉》 更是让他声名鹊起。这部讲述早期基督教圣人殉难的故事，被置于当代极权主义美国，以死刑的案例为背景。在他首次涉足意大利歌剧领域——也是巴黎歌剧院首次上演贝利尼倒数第二部作品《 贝娅特丽丝·迪·滕达》 （1833年）——的作品中，他再次毫不妥协地审视了官方认可的酷刑和暴力。
Franz Welser-Möst led the Vienna Philharmonic in a formidable program of two late-Romantic works. With his expressive and explicit gestures, he drew a swift but lucid account of Bruckner’s unfinished Ninth Symphony marked by admirable intonation, rhythmic precision, and extraordinary sensitivity. The pace of the first movement was brisk but broad enough to let the music unfold without over-bloated climaxes or expressive indulgences, as the maestro gradually unveiled its expansive structure and allowed the orchestra to bring full force to the thrilling climax. Following a ghostly but delicately delivered introduction, the Scherzo erupted into a throbbing and brutally uninhibited dance. The contrasting, transparently scored, Trio was expertly managed, lyrical sections flowing without being impeded by the quick tempo. The Adagio, which Bruckner described as “a farewell to life” and intended as the penultimate movement, was perfectly paced, counterbalancing effectively with the first movement. The closing pages, with the orchestra’s radiant brass soaring serenely into the heavens, brought the noble and alluring performance to a satisfying end.
切尔西歌剧团上演德利布最后一部完成的歌剧 《拉克美》 （1883）在某些方面可谓恰逢其时。这部歌剧以英属印度时期为背景，探讨了东西方之间的冲突（即便是通过欧洲殖民主义的扭曲视角），它为当今公众对帝国遗产的反思提供了新的视角。对于19世纪法国的歌剧创作者而言，将 帝国主义扩张及其引发的文化误解的真相转移到英国——他们在全球舞台上的竞争对手——或许是一种便捷的选择。然而，尽管那个时代的东方主义艺术充斥着简化和刻板印象，但有趣的是，至少在歌剧舞台上，法国歌剧家比英国同行更关注帝国的文化和政治问题，例如《拉克美》、 比才的《采珠人》以及马斯奈的 《泰伊思》 和 《拉合尔之王》。
安德斯·希尔伯格的第二钢琴协奏曲是当晚音乐会的重头戏和亮点。这部作品去年十月在旧金山由萨洛宁指挥首演，今晚是它与纽约爱乐乐团合作的第三次纽约演出。作品技法精湛，专为伊曼纽尔·艾克斯而作，旨在用短短二十分钟的时间，展现这位作曲家多年好友——钢琴家——的多面风采。副标题中的“MAX”代表“曼尼·艾克斯”，正如希尔伯格所说，它映照出“这位杰出钢琴家的热情与亲切”，而全大写的写法则暗示了艺术家强劲的演奏技巧。作品由九个乐章组成，每个乐章的标题都意蕴深远，乐章之间以巧妙的过渡衔接，整体风格庄严雄伟、热情奔放、铿锵有力、诙谐幽默，又不失深邃的哲思。